Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente
además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert
Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90
críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando
producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este
libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista
de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus
cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor
forma la música de los 55 años que comprende.

Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los
1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuáles son y en qué
momento aparecerán en este post.

La lista de los 1001 álbumes

Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de
colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta
que la lista este completa. Todos estos álbumes, como viene siendo
costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire,
sin limitaciones para descargar.

Seguimos con la lista... .

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376. Stranglers – Rattus Norvegicus (1977)

Los Stranglers siempre supieron, unas veces más afortunadas que
otras, especialmente en su primera y fenomenal etapa, pero casi siempre
con interés, acomodarse a las tendencias sonoras del momento.

Así, con influencias de la Velvet Underground, Television, los
Kinks, Zappa, los Stones, los Doors o, en general, el
garage-rock/proto-punk 60’s, pasaron con facilidad del pub rock al
punk, la new wave o al pop de sintetizadores, en una larga carrera
principiada a mediados de los años 70.

Llamados originalmente The Guildford Stranglers, Jet Black
(batería) fundó el grupo en 1974, junto a Hugh Cornwell (vocalista y
guitarrista), Jean-Jacques Burnel (vocalista y bajista) y Hans Wärmling
(tecladista y guitarrista) , que fue pronto sustituido por Dave
Greenfield (tecladista). Orientados en un principio hacia el pre-punk y
el psychedelic rock y el sonido de los Doors, no fue hasta 1976 cuando
se les identificó como uno de los pioneros del punk británico, tras
telonear a los Ramones y a Patti Smith.

En 1977, y bajo la tutela de Martin Rushent, grabarán en una
semana y como un live set su disco debut Rattus Norvegicus, que,
publicado por United Artists, llegará al número 4 en las listas de
venta británicas. El album, originalmente llamado Dead On Arrival, se
convertiría en uno de los discos más vendidos de la era punk en el
Reino Unido. Sus singles serían "(Get A) Grip (On Yourself)" (número 44
en la lista de singles) y "Peaches" (que llegó al número 8, a pesar de
resultar censurado por la BBC.). Otras canciones destacadas son
"Sometimes", "Hanging Around" y "London Lady".

1.Sometimes

2.Goodbye Toulouse

3.London Lady

4.Princess of the Streets

5.Hanging Around

6.Peaches

7.(Get A) Grip on Yourself

8.Ugly

9.Down in the Sewer

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377. Clash – Clash (1977)

Uno de los grupos esenciales surgidos del punk británico, un estilo
caracterizado por una astrosa y provocativa estética, el retorno a las
raíces del rock'n'roll, pero encolerizando su sonoridad y desplegando
un sentimiento de rabia, rebeldía y reivindicación social. Fue el
puntal izquierdista de esta hornada de excitantes formaciones inglesas,
influenciadas por grupos americanos como Ramones, Stooges o New York
Dolls.

En sus vigorosas composiciones, impregnadas de postulados líricos
que ponían de manifiesto su descontento sociopolítico y las ansias de
transformación juvenil, se vislumbraba un enorme talento musical, más
elevado y ecléctico que la mayoría de sus colegas generacionales.

Se pusieron bajo las órdenes del mánager Bernard Rhodes que les
consiguió un acuerdo con la CBS en donde publicaron el estupendo "The
Clash" (1977) su primer disco grande producido por Mickey Foote que
supuso un considerable triunfo británico (el disco fue publicado en
EEUU hasta 1979). CBS Records había considerado que en Norteamérica el
álbum difícilmente tendría éxito y, por ende, decidió no emitirlo allí.
Sin embargo, durante el período de 1977 a 1978 el disco se convirtió en
el más importado del año vendiendo más de 100.000 copias. La producción
de este álbum costó en total solo £4.000 y alcanzó la 12ª posición en
las listas Británicas.

1.Clash City Rockers

2.I'm So Bored With the U.S.A.

3.Remote Control

4.Complete Control

5.White Riot

6.(White Man) In Hammersmith Palais

7.London's Burning

8.I Fought the Law

9.Janie Jones

10.Career Opportunities

11.What's My Name

12.Hate & War

13.Police & Thieves

14.Jail Guitar Doors

15.Garageland

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378. David Bowie – Low (1977)

La máxima estrella del momento se encuentra deprimida, abrumada por
su propio éxito, por sus glorias recientes y por el peso de las
expectativas creadas, harta de la imagen que todos tiene de él. Y
responde refugiándose en sí mismo, creando un disco repleto de
referencias al avant garde, influido por el kraut rock alemán y por las
corrientes de electrónica más avanzadas de su momento. El disco en
cuestión sorprende al gran público, pero restablece sus credenciales
artísticas entre la crítica.

Dejando cínicos paralelismos históricos al margen, y reconociendo
la importancia capital que los colaboradores externos tuvieron en una
de las declaraciones estéticas más personales y atrevidas de la carrera
de David Bowie, siempre es algo más que sorprendente comprobar la
intacta modernidad de “Low”, el primero y probablemente el mejor disco
de la trilogía Berlinesa del dúo Bowie-Eno. Inmerso de un periodo de
depresión personal, paranoia y excesos definitivamente preocupantes con
la cocaína, partiendo de Paris y rematando la faena en Berlín, Bowie en
“Low” llevó aún más allá el concepto de funk espacial de “Station to
Station”, recogiendo por el camino nuevas e insospechadas influencias.
Reclutando a Brian Eno, recuperando a Tony Visconti y manteniendo a
Carlos Alomar como guitarrista estrella, la gestación de “Low” comenzó
con unas intenciones radicales. Dividido el disco en una Cara A,
enmarcada en dos instrumentales dinámicos, y compuesta de canciones
vocales y dinámicas (pero para nada convencionales) y una Cara B cais
por completo instrumental, de “ambient” extravagante y con gran
influencia teutona, Bowie terminaba de exhibir su ensimismamiento
personal, pero sobre todo su temerario talento artístico.

Tan moderno hoy como el ya lejano día de su creación, es la clase
de obra que reconcilia con la capacidad de algunos pocos para hacer del
rock una fuerza vital y aparentemente inmortal. En definitiva cuando
hablamos de “Low” hablamos de una verdadera obra maestra.

1.Speed of Life

2.Breaking Glass

3.What in the World

4.Sound and Vision

5.Always Crashing in the Same Car

6.Be My Wife

7.New Career in a New Town, A

8.Warszawa

9.Art Decade

10.Weeping Wall

11.Subterraneans

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379. Steely Dan – Aja (1977)

El grupo pionero de pop/jazz Steely Dan ya contaba con cinco
álbumes en los 40 principales estadounidenses antes de la publicación
de Aja en 1977. No obstante, Aja ha demostrado ser uno de los álbumes
de jazz/rock más destacables de la historia de la música popular.
Aja, (pronunciado “asia”), es el sexto disco de Steely Dan, y es
considerado como la cumbre de su carrera. Se grabó entre enero y julio,
y se publicó en septiembre de 1977. El álbum contó con una producción
excepcional así como con la colaboración de los mejores músicos de
sesión de la época, destacan especialmente nombres como Victor Feldman,
Wayne Shorter, Pete Christlieb, Steve Gadd, Larry Carlton o Lee
Ritenour.

El primer single extraído del álbum fue “Peg” que apoyado en su
irresistible ritmo funky llegó al undécimo puesto de las listas
norteamericanas. En el trabajo más vendido de Steely Dan destaca de
forma especial el tema homónimo del disco, ocho minutos que constituyen
una pequeña sinfonía dedicada a la mística de Oriente. La canción se
desarrolla como un sueño delicado tejido por el saxo de Wayne Shorter,
que se transforma paulatinamente en un potente poema épico donde
sobresale la magistral batería de Steve Gadd.

La creación de esta leyenda es un vivo retrato de una grabación de
los setenta, que sigue siendo hoy tan actual y memorable como en el
momento de su publicación hace más de treinta años.

1.Black Cow

2.AJA

3.Deacon Blues

4.Peg

5.Home at Last

6.I Got the News

7.Josie

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380. Wire – Pink Flag (1977)

Banda post-punk británica compuesta por el cantante y guitarra
Colin Newman, el guitarrista Bruce Gilbert, el bajista y vocalista
Graham Lewis y el batería Robert Gotobed.
Formados en 1976 debutaron un año después en el sello Harvest con
el magnífico "Pink Flag" , publicado originalmente en 1977 una
verdadera joya del punk rock progresivo, esta grabación de corte
minimalista seria remasterizada en los años noventa y es ésta última
remasterización la que les hago llegar. Un excelente disco con una
calidad de sonido difícilmente logrado por los grupos punk de la época
y que ha influenciado gran variedad de bandas y estilos de la música
rock, especialmente sobre grupos como Elastica, Menswe@r, The Urinals,
The Minutemen, R.E.M. (que versionó "Strange" en su álbum Document ) y
más recientemente Bloc Party, The Futureheads y Franz Ferdinand. Ian
MacKaye de la banda de punk hardcore Minor Threat es también un gran
seguidor de Wire, y su grupo versionó una de sus canciones, "12XU," en
su álbum Complete Discography. Big Black interpretó el "Heartbeat" de
Wire en dos ocasiones, una en versión de estudio, publicada como single
(el single fue también incluido en el disco recopilatorio Rich Man's
Eight Track Tape), y también como versión en vivo incluida en el video
del álbum Pigpile.

1. Reuters

2. Field Day For the Sundays

3. Three Girl Rhumba

4. Ex Lion Tamer

5. Lowdown

6. Start to Move

7. Brazil

8. It's So Obvious

9. Surgeon's Girl

10. Pink Flag

11. Commercial, The

12. Straight Line

13. 106 Beats That

14. Mr. Suit

15. Strange

16. Fragile

17. Mannequin

18. Different to Me

19. Champs

20. Feeling Called Love

21. 12XU

22. Options

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381. John Martyn – One World (1977)

Este impresionante personaje de origen escocés nacido el 11 de
septiembre de 1948,ha grabado la friolera de 24 discos y colaborado con
músicos tan ilustres como Eric Clapton, Steve Winwood y David Gilmour.
Un hombre con una dura vida en lucha contra el alcohol, en 2006 debido
a un quiste se le amputo una pierna, lo que no hizo que se alejara de
los escenarios. Su particular estilo, una mezcla de folk y jazz cercano
a artistas como Tim Buckley Y Nick Drake nos han dejado una buena dosis
de genialidad y personal estilo a traves de discos como "Solid
Air","Grace And Danger","Inside Out" y el que aquí nos ocupa "One
world". Unos de sus discos más experimentales con atmosferas muy
espaciales, mezcladas con sutileza a ritmos jazz y reggae colaborando
en la obra gente tan dispar como Lee Perry y Steve Winwood.Un disco
para saborear en un momento de relajación sin llegar al adormecimiento.
Todo ello coronado por una magnifica portada de "Tony Wright" creador
de portadas míticas para Traffic,Bob Marley o Bob Dylan entre otros.

1. Dealer

2. One World

3. Smiling Stranger

4. Big Muff

5. Could'nt Love You More

6. Certain Surprise

7. Dancing

8. Small Hours

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382. Talking Heads – 77 (1977)

Una de las bandas más influyentes de todos los tiempos son los
Talking Heads, ejemplo arquetípico de banda neoyorquina de rock
intelectual y esnob. Esta banda fue una de las más representativas
bandas de rock new wave, con elementos de estilos como el punk rock y
el funk predominante en el ambiente británico, el cual influenció y
sigue influenciando la música popular.

Encabezado por el músico David Byrne, la banda alcanzó los
primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y
Estados Unidos. Puede resumirse su estilo y elegancia que destacó a
esta agrupación en el filme "Stop Making Sense", que fue realizado en
el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta
representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos
de su género.

77 es un disco muy representativo de lo que se dio en llamar new
wave, de inspiradas melodías construidas sobre un sencillo pero
vitamínico acompañamiento musical a base de guitarra, bajo, batería y
teclados que incorporaba unas letras irónicas de regusto arty escupidas
por el neurótico de David Byrne. Eran los tiempos de la new wave, de
los conciertos en el CBGB, del punk y de los Ramones.

De esta forma iniciaba esta banda que lograría adoptar un estilo
muy original y distinto a lo habitual del período, codeándose con
grupos de New Wave como The Police y consiguiendo éxito mayor en la
década de los ochenta.

1. Uh-Oh, Love Comes to Town

2. New Feeling

3. Tentative Decisions

4. Happy Day

5. Who Is It?

6. No Compassion

7. Book I Read, The

8. Don't Worry About the Government

9. First Week/Last Week...Carefree

10. Psycho Killer

11. Pulled Up

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383. Fleetwood Mac – Rumours (1977)

Rumours es un álbum conceptual de rock and roll, grabado por
Fleetwood Mac en 1977, que continuó con el éxito obtenido con el disco
homónimo Fleetwood Mac (el primero que se grabó con estos miembros). El
álbum fue grabado el 3 de marzo de 1976, mientras la banda promocionaba
el sencillo Rhiannon, aunque publicado casi un año después.

Con "Rumours" alcanzaron su punto más álgido, un Lp que no
sorprende por su inventiva ni originalidad, pero que indudablemente
contiene once piezas óptimamente trabajadas a nivel compositivo,
generalmente de basamento agridulce y de cómoda escucha, lo que explica
su tremendo éxito en todo el mundo, especialmente en los Estados
Unidos. Las canciones del álbum reflejan las tensiones personales que
existían dentro del grupo, cuando Buckingham y Nicks por un lado, y los
MacVie por otro, estaban en proceso de separación. Para 2006 este disco
había vendido 19 millones de copias, siendo fue certificado por la
Recording Industry Association of America como el tercer álbum con más
ventas en los años 1970. Rumours ganó el premio Grammy en 1978 como
mejor álbum del año, y se mantuvo por 31 semanas en la cartelera
norteamericana Billboard

1.Second Hand News

2.Dreams

3.Never Going Back Again

4.Don't Stop

5.Go Your Own Way

6.Songbird

7.Chain, The

8.You Make Loving Fun

9.I Don't Want to Know

10.Oh Daddy

11.Gold Dust Woman

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384. David Bowie – Heroes (1977)

David Bowie dejando atrás su período glam y su autodenominada fase
de plastic soul para profundizar y experimentar en los sonidos
electrónicos junto a su amigo Brian Eno, ex componente de Roxy Music.
La mejor ciudad para inspirarse en este tipo de universos sónicos sin
duda era Berlín, capital germana y patria de los Kraftwerk, en donde
grabó la denominada "trilogía de Berlín", comenzada con "Low" y
finalizada con "Lodger". En medio, se encuentra "Heroes".
Este es un disco dividido entre seis canciones y cuatro piezas
instrumentales, que claramente definen la aportación de cada artista en
el disco. El álbum se inicia con dos canciones techno-pop tituladas
"Beauty and the beast" y"Joe the lion", dos temas de ritmos bailables y
letras un tanto absurdas en unas composiciones musicales bastante
mediocres e iterativas, destacadas por el tratamiento en las texturas
sónicas.

El mejor corte del Lp es su tercer corte, "Heroes", una excelente
y romántica balada convertida en gran clásico dentro del extenso
repertorio del camaleón, con un tempo hipnótico y una intensa
emocionalidad. Otros temas de este sobrevalorado disco son "Sons of the
silent age", un disfrutable pero tema menor con logradas armonías de
Bowie, Tony Visconti, Brian Eno y Antonia Maas y "Blackout", una
intrascendente canción con un buen tratamiento a la guitarras de Robert
Fripp y Carlos Alomar.
El recorrido de este Lp está plagado de sintetizadores
interpretados por Eno, cuyo sonido encantará a los aficionados a este
tipo de instrumentos, pero puede dejar indiferente al degustador del
Bowie en su etapa Ziggy Stardust. La última canción del disco es "The
secret life of arabia", elegante aunque poco destacada melodía pop con
ramalazos funk y coros de Antonia Maas.
La aportación principal de Brian Eno se encuentra en la segunda
mitad del álbum, co-escrita en buena parte entre Bowie y el ex Roxy
Music (al igual que "Heroes" ). Ofertan un tributo a Florian Schneider
(miembro de Kraftwerk) con "V-2 Schneider" y desarrollan valiosos
pasajes ambientales a lo largo de estimables piezas atmosféricas de
corte futurista y apocalíptico como "Sense of doubts" o "Moss Gardens".
A destacar el fenomenal trabajo en todo el album del guitarrisa Robert
Fripp, líder de los King Crimson, quien eleva en ciertos pasajes la
flojedad de muchas composiciones. La producción está compartida por
Bowie (quien también se luce a veces con el saxo) y Tony Visconti.

Si bien “Low” mantuvo el filón comercial del artista, tanto este
como “Heroes” no destacaron en lo comercial, aunque fueron inmensamente
alabados por la crítica oficial y serían un eslabón decisivo entre la
electrónica y la música pop por venir en la década de los 80. Bandas y
solistas pioneros como Gary Numan, Joy Division, Bauhaus, o
posteriormente Nine Inch Nails, reconocerían la directa influencia e
inspiración de estos álbumes.

1. Beauty and the Beast

2. Joe the Lion

3. Heroes

4. Sons of the Silent Age

5. Blackout

6. V-2 Schneider - (German)

7. Sense of Doubt

8. Moss Garden

9. Neukoln

10. The Secret Life of Arabia

11. Abdulmajid

12. Joe The Lion

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385. Dennis Wilson – Pacific Ocean Blue (1977)

Dennis Wilson fue el hermano mediano de los Wilson y batería de los
Beach Boys, uno de los grupos más influyentes de la música popular de
todos los tiempos, en una época dorada, los 60, en que Rock and Roll y
Pop eran uña y carne, pero posteriormente, a partir de los 70, ambos
estilos se distancian, y salvo honrosas excepciones, los grupos o
hacían Pop o hacían Rock, y la magia poco a poco se desvaneció, con la
consiguiente pérdida de la inocencia de una música que en su día puso
el mundo patas arriba a base de enérgicas canciones con la mirada
puesta en el estribillo y la melodía perfecta.

Diez años después de la obra magna de Beach Boys, “Pet Sounds” un
Dennis Wilson que siempre había pasado desapercibido parapetado tras la
batería, sentía la necesidad de escribir sus propias canciones y volar
en solitario, y de la noche a la mañana el espíritu libre de los Beach
Boys, el más salvaje, el indolente “punk” que jugueteó con la familia
Manson (amigo íntimo de Charles Manson por algún tiempo) siempre a la
búsqueda de la fiesta sin final, pasó de estar eclipsado por el enorme
talento de su hermano mayor (Brian), a elevarse como un músico,
cantante e intérprete único, capaz de emocionar con su ronca voz y sus
asombrosas canciones repletas de alegría, tristeza, amor, desamor y en
definitiva, canciones repletas de vida.

En 1977 sale a la luz “Pacific Ocean Blue”, no solo el primer LP
de Dennis Wilson, también es el primer disco de un Beach Boy en
solitario, y el resultado impresiona a la primera escucha. Es un
trabajo elaborado, con ricos arreglos, pero al mismo tiempo suena tan
fresco y accesible como el disco de Rock and Roll más directo. “Pacific
Ocean Blue” se grabó en los estudios del sello Brother (propiedad de
los hermanos Wilson) en California, colaboraron viejos amigos y
compañeros (su hermano menor Carl Wilson, Greg Jakobson, Bruce
Johnston...), Dennis escoge a los mejores músicos de sesión (Hal Blaine
de la Wrecking Crew de Phil Spector, Ed Carter, Jamie Jamerson...). Las
canciones están llenas de suntuosos arreglos de vientos, percusiones,
delicados teclados, e incluso hay un coro gospel que ensalza las
canciones. A pesar de todo, los arreglos no abruman, no hay “lifting”
musical alguno, y todo suena con una naturalidad apabullante. Son 12
temas que tocan la fibra sensible, desde la inicial “River song” con
esas sensibles notas iniciales de piano, la entrada del coro al
completo, y la voz de un Dennis Wilson que es un torrente de emoción
pura. Más festiva resulta “What's wrong”, sobre una portentosa sección
de vientos Dennis, en sus propias palabras, nos hace creer en el Rock
and Roll. Con canciones como “Thoughts of you”, una de las mejores
bandas actuales como Wilco, venderían su alma al diablo. Aunque Dennis
tiene su propio estilo único y verdadero, ha tomado buena nota de su
genial hermano mayor Brian Wilson, y “Time” es una buena prueba de
ello, de una desnudez y belleza poco frecuentes. En definitiva, todas
las canciones tienen su universo propio, crean adicción y muestran
nuevos matices en cada nueva escucha, que varían según el cambiante
estado de ánimo. “Pacific Ocean Blue”, unánimemente fue aclamado por lo
crítica especializada. Había vendido 300.000 copias, y llego a puesto
#96 en U.S., sin embargo estuvo agotado e imposible de conseguir
durante más de una década, excepto como un artículo de coleccionistas
caro o de contrabando. El 17 de junio del 2007, se lanzó una versión
por el aniversario 30, por la discográfica Sundazed.

1.River Song

2.What's Wrong

3.Moonshine

4.Friday Night

5.Dreamer

6.Thoughts Of You

7.Time

8.You And I

9.Pacific Ocean Blues

10.Farewell My Friend

11.Rainbows

12.End Of The Show

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386. Suicide – Suicide (1977)

Alan Vega y Martin Rev se conocen en 1971, al frecuentar los
círculos artísticos de la Gran Manzana. Con las mínimos elementos
–algún teclado, algo para generar ritmos y ruido..., forman un dúo con
mayor vocación expresionista que musical. Sus shows suelen ser
recibidos con sonoros abucheos, dado el sonido poco convencional del
proyecto, bautizado como Suicide. La explosión del punk a mediados de
la década promueve la escena de bandas locales, por lo que el dúo
consigue grabar su primer álbum. El resultado es ‘Suicide’ (1977), una
obra de referencia en la historia del rock que capta el espíritu
transgresor de aquellos días desde una óptica más plástica.
Suicide nunca obtuvo el éxito comercial, pero siempre conto con
el beneplácito de la crítica, mientras su influencia se deja notar en
toda la estirpe tecno-pop durante los ochenta, así como en las
chirriantes huestes del rock industrial y otros conceptos musicales
extremos.

La influencia de Suicide se puede percibir en el post punk, el
indie rock, la música industrial y el dance. Entre otros, Henry
Rollins, Soft Cell, The Fleshtones y R.E.M. han mencionado a Suicide
como una de sus principales influencias. Por otro lado, la huella de
Suicide es perceptible en canciones de Springsteen como "Mr State
Trooper", del álbum "Nebraska". También es muy conocida la amistad de
Alan Vega con el líder del grupo gótico británico The Sisters Of Mercy,
Andrew Eldritch: en el "run-out groove inscription" de los simples de
los Sisters hay varias dedicatorias a Vega, como "for Alan Vega". En
1986 Alan Vega participò en "Gift", un E.p. de The Sisterhood, el grupo
de Andrew Eldritch.

1. Ghost Rider

2. Rocket U.S.A.

3. Cheree

4. Johnny

5. Girl

6. Frankie Teardrop

7. Che

8. Cheree - (remix)

9. I Remember

10. Keep Your Dreams

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387. Iggy Pop –The Idiot (1977)

Seductora colaboración entre David Bowie (en faceta de producción y
composición) e Iggy Pop, en la cual se aprecian los sofisticados
tanteos sónicos que estaba realizando el primero en la ciudad de Berlín
junto a su buen amigo Brian Eno ("The Idiot" fue asimismo grabado en la
capital germana).

La ferocidad punk-rockera y el estilo vocal de Iggy en los Stooges
se ve modificada en este disco por unos temas de texturas electrónicas
con ecos de Kraftwerk, iterativos pero fascinantes ritmos tapizados por
una calma, elegante y profunda voz de modalidad barítona.
Este fue el álbum debut de Iggy Pop como solista (Ex The
Stooges), la música (principalmente de Bowie) y las letras (a cargo de
Iggy) exponen el estado de experimentación de ambos personajes,
captando una insinuante, decadente y sombría atmósfera, desarrollada en
sensacionales piezas como "Nightclubbing", "Funtime", "Baby", "Dum Dum
Boys", "Sister midnight" o la famosa "China Girl", posteriormente
revisitada en los años 80 por el propio Bowie en el Lp "Let's dance".

A pesar de su ánimo lúgubre y sombrío, la resurrección de Iggy Pop
está aquí, en “The Idiot, una obra en la que, después de perder la
guerra del rock, la cordura y las emociones, el cantante admite no
tener nada en el mundo, pero, al mismo tiempo, nada que perder. Este
disco prefigura los experimentos formales que Bowie desarrolló a
finales de la década del 70, además del postpunk inglés desde Wire
hasta Joy Division.Pero, antes que nada, "The Idiot" es un disco donde
el dolor más profundo se convierte en un pretexto más para seguir
creando y, en consecuencia, seguir viviendo. Canciones perfectas para
perder una guerra y volver a casa con una botella de cerveza bajo el
brazo y una sonrisa torcida en la cara.

Cómo dato de morbo, este disco era escuchado por Ian Curtis,
cantante y compositor del grupo Joy Division, mientras se suicidaba.

1.Sister Midnight

2.Nightclubbing

3.Funtime

4.Baby

5.China Girl

6.Dum Dum Boys

7.Tiny Girls

8.Mass Production

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388. Peter Gabriel – Peter Gabriel 1 (Car) (1977)

En Febrero de 1977, en plena eclosión Punk Rock, Peter Gabriel
iniciaba en Toronto su brillante carrera como solista. El prolífero y
trascendente productor Bob Ezrin sería el encargado de plasmar en un
álbum las ideas musicales de uno de los más originales y grandes
músicos de la historia. Su liderazgo en una de las bandas de rock
progresivo más importantes de los 70’s como Genesis, eran historia
pasada. Los sonidos, la estética y el concepto musical habían cambiado
mucho en esta etapa de transición hacia la nueva década.
Inquieto artísticamente, sagaz e inspirado, Peter Gabriel no
entraría al estudio a reproducir el sonido Genesis de ninguna manera.
Ezrin fue el catalizador de su particular arte, una marca registrada
para cualquier oyente que al instante de escuchar unas pocas notas y su
primera frase lo reconoce rápidamente. Solo Peter Gabriel suena a Peter
Gabriel, sin medias tintas.
Tony Levin, Robert Fripp y Larry Fast, uno de los magos más
importantes de la construcción sonora con sintetizadores, son algunos
de los músicos de Elite que acompañan a Gabriel en el disco. Para tomar
la real dimensión circundante a Gabriel, todos estos talentos estaban
coordinados por la persona que un año antes del glorioso debut de
Peter, produjo Destroyer de Kiss, y un año después, The Wall junto a
Waters y Gilmour. Nada menos!
Peter Gabriel 1, o “Car”, como lo llaman sus fans, es una
verdadera obra maestra del Rock. Un disco que el mismo Gabriel jamás
pudo superar, aunque en los 80’s se cansara de vender discos con
“Sledgehammer” de la mano de Daniel Lanois. Tambien incursionara en la
World Music de manera muy distintiva y siempre nos entregara discos de
altísima calidad, pero nunca volvió a conjugar “Arte, estética, y
sonido” como en este álbum.

1. Moribund The Burgermeister

2. Solsbury Hill

3. Modern Love

4. Excuse Me

5. Humdrum

6. Slowburn

7. Waiting For The Big One

8. Down The Dolce Vita

9. Here Comes The Flood

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389. Television – Marquee Moon (1977)

Marquee Moon de Television es uno de esos llamados discos de culto,
incluido innumerables veces entre los mejores de la historia y uno de
los pocos que grabó el grupo, de efímera existencia.

Su líder, Tom Verlaine, pianista y guitarrista, se trasladó a New
York desde su natal New Jersey y se integró al ambiente artístico
contracultural del este de esa ciudad. Conoció a Patti Smith y colaboró
con ella en varios proyectos. Posteriormente formó Television con
Richard Lloyd, también guitarrista, Fred Smith, bajista y cantante, y
Billy Ficca, baterista. Con esta formación se grabó el disco.

El sonido de Television es esencialmente punk, pero la influencia
cultural de New York los acercó al art rock, concepto que tiene que ver
con la multidisciplina en el arte, abriendo todas las posibilidades de
fusión de elementos de este. Podría decirse que Andy Warhol, es el
precursor de esta idea del arte.

El álbum está dotado de un sonido que se basa en el
entrecruzamiento de las guitarras de Verlaine y Lloyd, la voz lastimera
y sarcástica de Tom, una base rítmica consistente y unas letras de alta
calidad poética.

Entre los cortes destacan la abridora See No Evil, punk enérgico
sostenido en las guitarras y la voz que no dejan espacios para el
silencio; Venus, con el sonido típico del grupo, rock semilento que
permite incluir la métrica difícil de la poesía de Verlaine; Marquee
Moon, la clásica con que se reconoce al grupo; Elevation, muy influida
por los sonidos del glam rock, Roxy Music en especial; Prove It, con
evidente influencia de Lou Reed, pero con la voz de Verlaine y Torn
Curtain, el del cierre, punk bluseado, en donde la voz de Tom se
aprecia a plenitud.

Verlaine realmente se apellida Miller, pero como admirador de Paul
Verlaine, el poeta maldito francés, tomo prestado el nombre. Siguió una
carrera solista que resulta de sumo interés, alejado del punk.
Desarrolló propuestas vanguardistas que vale la pena explorar.
“Marquee Moon” es uno de los discos debut más importantes de la
historia del rock, aparece en la Lista de Rolling Stone de los 500
mejores álbumes de todos los tiempos en el puesto 128, si bien al
momento de su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número 28 en el
chart británico, el álbum no ha vendido muchas unidades en Estados
Unidos, haciendo de Marquee Moon, sin embargo, un álbum de culto y uno
de los más importantes de la escena de Nueva York.

En 2003 el álbum fue considerado por el New Musical Express como el
cuarto mejor disco de todos los tiempos, en el mismo año la cadena
televisiva VH1 lo colocó en puesto número 83 de los mejores discos de
la historia. Pitchfork Media lo colocó como el tercer mejor disco de la
década del 70.

01. See No Evil

02. Venus

03. Fiction

04. Marquee Moon

05. Elevation

06. Guiding Light

07. Prove It

08. Torn Curtain

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390. Meat Loaf – Bat Out of Hell (1977)

Bat out of Hell es un álbum de 1977 del cantante Meat Loaf, del
escritor Jim Steinman y del productor Todd Rundgren que se ha
convertido en uno de los discos más vendidos a nivel mundial.
El álbum surgió a partir de un musical, Neverland, una adaptación
de estilo ciencia ficción de la historia de Peter Pan, la cual Steinman
escribió para un taller llevado a cabo en el Centro John F. Kennedy en
1977. Steinman y Meat Loaf, quienes se encontraban viajando con el
espectáculo de la revista National Lampoon, sintieron que tres
canciones del musical eran "excepcionales" y Steinman comenzó a
desarrollarlas como parte de un proyecto de siete canciones que querían
transformar en un álbum. Las tres canciones eran "Bat out of Hell",
"Heaven Can Wait" y "The Formation of the Pack", la cual sería
renombrada "All Revved Up With No Place to Go".
En 1993, Steinman expresó que el álbum es "eterno en el sentido
de que no cabía dentro de ninguna tendencia. Nunca ha sido parte de lo
que está pasando. Podrías lanzar el disco en cualquier época y estaría
fuera de lugar"

Hasta 2007, había vendido un estimado de 34 millones de copias, y
continúa vendiendo aproximadamente 200.000 por año. La revista Rolling
Stone lo colocó en la posición 343 de su lista de los 500 mejores
álbumes de todos los tiempos. Su estilo musical está influenciado por
la apreciación de Steinman de Richard Wagner, Phil Spector y Bruce
Springsteen.
En 2006 obtuvo la novena posición en una encuesta realizada por
Australian Broadcasting Corporation para descubrir cuál era el álbum
más popular de Australia. En noviembre de 2007, Meat Loaf fue
galardonado con el premio al Álbum Clásico en la Lista de Honor del
Rock Clásico de Classic Rock.

1.Bat Out of Hell

2.You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night)

3.Heaven Can Wait

4.All Revved up With No Place to Go

5.Two Out of Three Ain't Bad

6.Paradise by the Dashboard Light

7.For Crying Out Loud

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391. Elvis Costello – My Aim is True (1977)

Un británico, nacido musicalmente en los 70, en plena New Wave,
lleva la música en las venas. Costello es uno de esos tipos que te
sorprende de vez en cuando con un disco nuevo y diferente a lo que ha
grabado anteriormente.
"My aim is true" es uno de los discos más rockeros de Elvis
Costello, uno de los últimos grandes genios que ha dado el rock en las
últimas décadas. En este álbum,, detectamos ritmos del genuino rock de
los años 50 ("Mystery dance" ), otros típicos de guateques de los 60,
algunos guitarreos blueseros, guiños country e incluso un tema reggae
("Watching the detectives" ). Pero básicamente, "My aim is true" es
mucho rock.
Elvis Costello parece sumarse al carro del estilo que encabeza
entre otros, Springsteen, con "The wild, the innocent & the E
Street Shuffle" (1973), o el ya posterior "The river"(1980). ("Miracle
man", "No dancing", "I´m not angry", entre otros.)
"Welcome to the working week", "Miracle man", "Allison", "Less
than zero"... son un buen señuelo para poner nuestra atención en una de
las perlas de Costello, en la que el polémico y singular incendiario de
mentes ermitañas, se pone al nivel de los mejores, en cada estilo que
interpreta. Este su álbum debut tuvo un significativo éxito de críticas
y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el
el Top 40 en Estados Unidos) Siempre a la vanguardia, con todos
ustedes, Elvis Costello, uno de los imprescindibles.

1.Welcome to the Working Week

2.Miracle Man

3.No Dancing

4.Blame It on Cain

5.Alison

6.Sneaky Feelings

7.(The Angels Wanna Wear My) Red Shoes

8.Less Than Zero

9.Mystery Dance

10.Pay It Back

11.I'm Not Angry

12.Waiting For the End of the World

13.Watching the Detectives

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392. Iggy Pop – Lust for Life (1978)

Tras su anterior grabación conjunta titulada "The Idiot", la pareja
David Bowie y uno de sus grandes ídolos musicales, Iggy Pop, el ex
líder de los Stooges, vuelven al estudio de grabación para realizar uno
de los mejores trabajos de la más famosa iguana de Ypsilanti.
Gracias a la producción y composición musical en muchos temas de
Bowie, que también colabora en piano y coros, el ejemplar dúo rítmico
de Tony y Hunt Sales y las guitarras de Carlos Alomar y Ricky Gardiner,
Iggy Pop graba un cimbreante disco de sobresaliente ejecución vocal,
abierto con el vertiginoso compás del clásico "Lust for life", al que
siguen arrebatadoras canciones pop de tenue maquillaje rock, como la
sensual, dominada por un pegadizo riff, "Sixteen", el rock de
abrumadora carga energética de "Some Weird Sin", el hipnótico recorrido
del clásico "The Passenger", "Tonight", pieza que posteriormente el
camaleónico artista británico versionaría junto a Tina Turner (en una
adaptación inferior a la de Iggy) o la canción que cierra el disco de
alegre y sugerente ritmo de teclado, cantada con un gran cinismo por
Iggy y titulada "Fall in love with me".

De Iggy Pop este álbum es el más reconocido por los críticos,
además de ser el álbum más comercialmente popular hasta la fecha, y
sigue siendo su mayor referente en las listas de ventas en Reino Unido.
La canción que da título al álbum atrajo nuevamente los reflectores dos
décadas más tarde, cuando apareció en la banda sonora de la película
Trainspotting (1996).

1.Lust For Life

2.Sixteen

3.Some Weird Sin

4.The Passenger

5.Tonight

6.Success

7.Turn Blue

8.Neighborhood Threat

9.Fall in Love With Me

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393. Ian Dury – New Boots & Panties!! (1977)

Ian Dury, nacido en Essex en 1942, figura de culto del rock &
roll, y padre de uno de sus más celebrados eslóganes (“sexo, droga y
rock and roll”). De niño sufrió la polio, lo que condicionó su
capacidad física. Pero a pesar de los consejos médicos, decidió primero
estudiar arte y después fundar grupos de rock.
Con el apoyo de Charlie Gillet, inició sus primeras grabaciones,
que desembocarían en un contrato con Stiff Records, sello clave de los
70 en el Reino Unido. Y en 1977 grabó, junto a su grupo The Blockheads,
este New boots and panties!!, un disco ecléctico, (rock’n’roll, pop new
wave, music hall, que adelantaba la new wave como alternativa al punk.)
y simpático (el sentido del humor de Dury es siempre apreciable en su
escritura) que se convirtió en un gran éxito en Inglaterra gracias a
temas como “Sweet Gene Vincent” o “Wake up and make love to me”, cortes
escritos por Dury junto a Chaz Jankel, habitual colaborador en la
composición y ex componente también de Kilburn and The High Roads.

Fuera del LP (en reediciones posteriores se añadirían a los discos
como bonus tracks) y en formato single, Ian editó singles como “What a
Waste” (número 5 en Inglaterra), el mítico y bailable tema “Sex and
drugs and rock’n’roll”, “Hit me with your rhythm stick”, canción que
llegó al número 1 en Gran Bretaña, o “Reason to be cheerful” (número
3). Las canciones de este álbum fueron grabadas por conocidos artistas
británicos e irlandeses como homenaje a Ian Dury, que falleció en 2000
tras una larga enfermedad.

1. Wake up and Make Love With Me

2. Sweet Gene Vincent

3. I'm Partial to Your Abracadabra

4. My Old Man

5. Billericay Dickie

6. Clevor Trever

7. If I Was With a Woman

8. Blockheads

9. Plaistow Patricia

10. Blackmail Man

11. Sex and Drugs and Rock and Roll

12. Razzle in My Pocket

13. You're More Than Fair

14. England's Glory - (live)

15. What a Waste

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394. Sex Pistols – Never Mind the Bollocks, Here’s the… (1977)

Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols fue el primer y
único álbum de estudio de la legendaria banda punk Sex Pistols. A día
de hoy es considerado uno de los trabajos musicales más influyentes del
punk y el rock and roll en general.

El álbum fue editado en el Reino Unido el 28 de octubre de 1977
por la discográfica Virgin Records causando inmediatamente controversia
por la inclusión de la palabra "Bollocks" (testículos en inglés
británico informal) en el título. Sin embargo, mucho mayor fue la
controversia generada por las letras de "Anarchy in the U.K." y "God
Save the Queen", así como el arte de portada de Jamie Reid para el
sencillo de esta última. Ambas canciones fueron marcadas como insultos
a la sociedad civil y a la monarquía y particularmente "God Save the
Queen" hacia la reina Isabel II. Ante esto, el vocalista Johnny Rotten
y el gutarrista Steve Jones insistieron en afirmar que el ataque no era
hacia la reina en particular sino que hacia el gobierno británico en
general. De cualquier manera, la controversia no hizo más que aumentar
las ventas del álbum.

Never Mind the Bollocks también marcó un punto de inflexión en el
punk rock por la producción musical. Llegó pronto al # 1 en la lista
británica de álbumes más vendidos, sin embargo, en la lista
estadounidense de Billboard solo llegó al # 106. En 1998, los lectores
de la Revista Q lo votaron como mejor álbum de la historia, mientras
que en 2000 la misma revista lo colocó # 10 en su lista de los 100
mejores discos británicos de todos los tiempos. En 2001, el canal VH1
lo colocó # 17 en una lista similar. Por su parte, Rolling Stone lo
calificó en 1987 como el segundo álbum más importante de los últimos 20
años, por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The
Beatles y lo posicionó # 41 en su lista de los 500 mejores álbumes de
todos los tiempos de 2003. Finalmente, los lectores de Kerrang! lo
calificaron como el mejor álbum de la historia del punk.

En general, gran parte de los críticos y músicos consideran a
Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols como uno de los discos
más importantes de la historia del punk rock.

1.Holidays in the Sun

2.Bodies

3.No Feelings

4.Liar

5.Problems

6.God Save the Queen

7.Seventeen

8.Anarchy in the U.K.

9.Sub-Mission

10.Pretty Vacant

11.New York

12.EMI

13. Streets Of London

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395. Pere Ubu – Modern Dance (1978)

Pere Ubu , una de las bandas más grandes (y más creativas) de todos
los tiempos, con David Thomas, uno de los vocalistas más grandes (y más
excéntricos) de todos los tiempos, The Modern Dance (1978), una de las
grabaciones más importantes en historia de la música rock, fue, antes
que nada, el fresco de una civilización a la orilla del colapso.
También fue la banda sonora del colapso nervioso, tanto individual como
colectivo.
Pere Ubu lanzó un bacanal ensordecedor de eslóganes crípticos,
vocales agonizantes, golpes discordantes, distorsiones electrónicas y
pulsaciones primitivas. El "baile moderno" era el baile grotesco de
cuerpos poseídos por los espasmos de la alineación industrial y el
letargo posindustrial. La carga visceral crítica de música tribal
antigua fue transpuesta al ambiente y a la cadencia de la fábrica. Las
canciones eran orquestadas con interludios en forma libre, grupos de
sonido "concretos" y electrónicos, y explosiones repentinas de ruido,
pretendiendo evocar el movimiento cíclico, las ráfagas humeantes y el
rugido amenazante de las máquinas, así como los lamentos inorgánicos
del grupo de trabajadores y el decaimiento apático de sus mentes. El
vibrato demente y llanto sonámbulo de Thomas, que parecía la burla al
estilo enfático de la protesta, aumentaba el sentimiento de locura. Su
ferviente balbuceo (abarcando la gama desde el estilo de Frank Sinatra
al falsete de Marvin Gaye al rugido de Howling Wolf al delirio de
Captain Beefheart) pintaba el retrato de una psique atormentada.
Mientras tanto, Allen Ravenstine fermentaba el rol de los teclados en
la música rock, trayendo una revolución comparable a la que empezó
Brian Eno unos cuantos años atrás. Su estilo anti sensacionalista se
basaba en una atmósfera más que en técnica, un sonido "sucio"
preferente y no ortodoxo sobre la melodía. Las canciones más
estructuradas fundaron un nuevo tipo de lied absurdo. Las canciones
menos estructuradas estaban en la frontera entre la música de cámara
para utensilios de cocina, líneas de sintetizador discordantes y
sobredosis psicodélicas. Esto es música folk para la edad industrial,
una síntesis extrema de los Velvet Underground, Pink Floyd y los héroes
locales los Stooges.

Su atractivo surge de esa tirantez entre el rock más primitivo y
el art-rock más futurista. Este disco escenificaba una tensión no
resuelta entre el horror y la atracción frente al paisaje urbano, en
cualquier caso, esto es futurismo rock, excelente, de superior calidad.

1. Nonalignment Pact

2. Modern Dance

3. Laughing

4. Street Waves

5. Chinese Radiation

6. Life Stinks

7. Real World

8. Over My Head

9. Sentimental Journey

10. Humor Me

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396. Kraftwerk – Man Machine (1978)

En mayo de 1978 Kraftwerk lanzó The Man-Machine, El álbum fue
grabado en Kling Klang. Durante la grabación del álbum, el grupo se
sentaría detrás de la consola de mezclas de Kling Klang y dejaron los
secuenciadores y el equipamiento del estudio tocando melodías. Florian
Schneider se levantaría y se movería hacia un secuenciador y lanzaría
otra secuencia musical. Este fue el estilo de improvisación de
Kraftwerk. Este proceso se repetiría hasta que las pistas se acumularon
en canciones. Debido a la complejidad de la grabación, el álbum fue
mezclado en Rudas Studio, en Düsseldorf. Los dos ingenieros de mezclas
Joschko Rudas y Leanard Jackson, desde Los Ángeles, fueron encargados
para mezclar el álbum. La portada del nuevo álbum fue producido en
blanco, negro y rojo, el arte de portada estaba inspirado por el arista
ruso, El Lissitzky. La imagen del grupo en la portada fue fotografiada
por Gunther Frohling. Mostraba al grupo vestido con camisas rojas y
corbatas rojas. Siguiendo el lanzamiento de The Man-Machine, Kraftwerk
no lanzaría otro álbum hasta otros tres años más.

La influencia de Krafwerk en la música no sólo techno sino pop
europeo desde los años 1970´s y 80´s es indiscutible. Los grandes
alquimistas del pop rock europeo tuvieron que reconocerlo por la
fascinación que les causaba la banda de Ralf Hütter y Florian
Schneider. David Bowie dedicó un track a Scheider en su disco
experimental de aquellos años, "Heroes"; Brian Eno también, entre otros
como Siousxie and the banshees. Con el auge del post-punk vino el
Industrial que siempre fue música muy under que a lo sumo se bailaba en
discos under y sólo algunos djs entendidos exportaron durante fines de
los 80´s y 90´s a estas tierras. Si no hubiera sido por Kraftwerk
muchos géneros no existirían.

1. The Robots

2. Spacelab

3. Metropolis

4. The Model

5. Neon Lights

6. The Man-Machine

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397. Blondie – Parallel Lines (1978)

De origen neoyorquino, el grupo inició su andadura musical en 1975
junto a otras bandas locales como The Ramones, dentro del recién
surgido movimiento punk-rock. Sus primeros conciertos en la sala CBGB
supusieron una plataforma para dar a conocer a la banda en Nueva York.

Tras editar un par de álbumes ("Blondie", "Plastic Letters" ) con
singles de modesto éxito ("X offender","In the flesh" o la popular
"Denis", que les abrió las puertas del mercado europeo) en 1978 sale a
la venta su tercer trabajo, el álbum Parallel Lines: un compendio de
sonidos a medio camino entre el punk rock, el Soft Rock y el sonido de
la música disco que por aquel entonces comenzaba a causar furor a ambos
lados del Atlántico. El éxito de este álbum a nivel mundial, y
particularmente en Gran Bretaña, Estados Unidos y Japón, se debió a la
popularidad de algunas de sus canciones, tales como: "Heart of Glass"
(que alcanzó simultáneamente el número 1 en las listas inglesas y
estadounidenses), "Sunday girl", "Picture This" o One Way or Another.
Destacar también su tema "Hanging on the telephone", versión de The
Nerves.

"Heart of glass", el tema estrella de "Parallel lines", abrió una
nueva vía en el sonido de la banda: Clem Burke, batería del grupo, ha
comentado que lo que comenzó siendo una melodía con ritmo reggae
terminó convirtiéndose en un tema disco, cuya base rítmica imitó a
partir de algunos cortes de la banda sonora de Saturday Night Fever.
Por su parte, Jimmy Destri, tecladista de la banda, admitió que los
integrantes del grupo estaban entusiasmados con los experimentos
electrónicos de los alemanes de Kraftwerk, y que en "Heart of glass"
intentaron exponer las posibilidades ofrecidas por los sintetizadores.
Lo cierto es que "Heart of glass" alcanzó el puesto más alto de las
listas de éxitos. Semejante éxito sacó a la banda del anonimato:
Blondie pasó a convertirse en uno de los conjuntos musicales más
célebres y admirados por el público joven, y su carismática vocalista y
líder, Deborah Harry, comenzó a acaparar las portadas de numerosas
revistas con su imagen sexy, atrevida y su carácter gélido.

Parallel Lines es el gran disco Pop del Punk antes de que las
grandes discográficas descubrieran que el éxito comercial de Sex
Pistols, Blondie, The Stranglers y tantos otros no había sido
casualidad.

1.Hanging on the Telephone

2.One Way or Another

3.Picture This

4.Fade Away and Radiate

5.Pretty Baby

6.I Know But I Don't Know

7.11:59

8.Will Anything Happen?

9.Sunday Girl

10.Heart of Glass

11.I'm Gonna Love You Too

12.Just Go Away

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398. Elis Regina – Vento de Maio (1978)

Elis Regina es la voz femenina de Brasil. Nacida musicalmente a
mediados de la década de los años sesenta en el período post bossa
nova, pronto comenzó a incorporar a su repertorio la música de los
jóvenes músicos de la MPB en cuyas canciones bullía un compromiso
social y cultural que la bossa nova había dejado de lado. A través de
sus discos, Elis impulsó las carreras de compositores como Milton
Nascimento, Gilberto Gil, Joao Bosco o Ivan Lins. Mujer de vida
agitada, impetuosa, temperamental, ambiciosa y de difícil trato,
recibió justificados apodos tales como Pimentinha o Furaçao. Pero por
encima de todo su voz de intensidad y carácter inigualable le
convirtieron en un icono de la música popular brasileña. Su prematura
muerte por sobredosis en el año 1.982, con 36 años de edad, contribuyó
finalmente a convertirla en un mito venerado hasta nuestros días. Elis
dejó tras de sí un legado artístico de enorme profundidad emocional que
ha marcado a varias generaciones de cantantes brasileñas y a millones
de fans de todo el mundo.

Vento de Maio es la única grabación de Elis para Emi. Brillante
registro nunca publicado en compacto, aunque reeditado por la
discográfica tras su muerte, junto con otros temas extraídos de álbumes
de otros músicos con colaboraciones estelares de Elis. Inolvidables los
temas "Vento de Maio" grabado con Lô Borges, un simpatiquísimo dúo con
Adoniran Barbosa en el tema "Tiro ao Alvaro", Outro Cais y por supuesto
otro tema de Lô Borges ligado para siempre a Elis, O Trem Azul (con
permiso de Milton Nascimento y de Tom Jobim que también grabaron
inolvidables versiones del mismo).

1. Vento de Maio [May Wind]

2. Sai Dessa [Get Off It]

3. Tiro Ao Alvaro [Hit the Bull's Eye]

4. Só Deus É Quem Sabe [God Only Knows]

5. Que Foi Feito Devera [De Vera]

6. Nova Estação [New Season]

7. Calcanhar de Aquiles [Achilles' Heel]

8. Outro Cais [Another Pier]

9. Rebento [Explode]

10. Trem Azul [The Blue Train]

11. Medo de Amar É O Medo de Ser Livre [The Fear of Loving Is the Fear of Being Free]

12. Se Eu Quiser Falar Com Deus [If I Would Speak with God]

13. Aprendendo Jogar [Learning to Play]

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399. Pere Ubu – Dub Housing (1978)

Desde su irrupción en el “underground” norteamericano su huella ha
quedado marcada en varias generaciones de músicos. De la mano del
desenfadado Thomas, la banda rapidamente se ganó un lugar dentro del
naciente movimiento punk, a base de demenciales letras, frenéticos
pasajes vocales, guitarras llenas de urgencia, contundentes bases
rítmicas y una actitud decididamente libre.
Este es el segundo disco de la banda estadounidense de post punk
y art rock Pere Ubu. Tapa con una foto muy buena que da una idea del
ambiente en el que se mueve el disco.

Las diez canciones que presenta el disco muestran la cima
creativa del post-punk americano y el underground, y en su conjunto
marcó una notable influencia en el rock alternativo en Estados Unidos.
Destacan los temas "Navvy", "On The Surface", "Caligari´s Mirror", "Ubu
Dance Party" y "Codex".

Dub Housing es la obra maestra de Pere Ubu que fue parte fundamental para colocar a la banda como piedra angular del art-punk.

1. Navvy

2. On The Sunrise

3. Dub Housing

4. Caligari's Mirror

5. Thriller!

6. I Will Wait

7. Drinking Wine Spodyody

8. Ubu Dance Party

9. Blow Daddy-O

10. Codex

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400. Only Ones – Only Ones (1978)

Peter Perrett merecería un capítulo aparte dentro de la época del
punk y la new wave inglesa, sin embargo, su nombre no suele aparecer en
las antologías del género, pero es que quizá tampoco sería justo
incluirle dentro de estas etiquetas.

Probablemente uno de los motivos por los que no se le ha valorado
en su justa medida fuera el desaparecer rápidamente de la escena debido
a sus adicciones, principalmente a la heroína, las cuales, tras tres
brillantes LPs con The Only Ones, le hicieron estar prácticamente
quince años fuera del mundo, una historia que le emparenta con el Syd
Barrett de los primeros Pink Floyd, el cual, por cierto, fue una gran
influencia para él, hasta el punto de lucir una estética similar.

Volviendo con The Only Ones, este excelente disco de debut
homónimo debió merecer mayor atención. La voz de Perrett podría remitir
por igual tanto al punk como a Lou Reed o al Bob Dylan de la época de
Rolling Thunder Revue, que también se hallan entre sus principales
influencias. En cuanto a las canciones, destacar Another girl another
planet, intenso tema sobre el amor no correspondido y fácilmente
comercializable, que se encuentra entre lo mejor de aquellos años, pero
también otros más sofisticados como la cambiante Breaking down, con un
intermedio casi propio del jazz rock, la casi "rollingstoniana" City of
Fun, o Language problem, que recuerda la ironía pop de los mejores
momentos de The Kinks.

"The Only Ones" es uno de esos discos mágicos que engancha desde
la primera escucha. La voz lánguida, lacónica de Peter Perret y las
cuidadas y melódicas líneas de guitarra de John Perry son quizá los
ingredientes esenciales de esta montaña rusa de emociones, donde
subidas, bajadas y momentos de relax se pasean sobre la lírica de
Perrett, fuertemente marcada por su adicción a la heroína, y se unen a
un romanticismo exacerbado, más propio de los poetas del siglo XVIII y
XIX que de un yonki del XX.
Con todo, "The Only Ones" es pura expresión musical, haciendo
honor al nombre de la banda como seres únicos en su especie y dejando
para la historia, en cambio, una progenie de bandas influenciadas de lo
más variada.

1. Whole of the Law

2. Another Girl Another Plan

3. Breaking Down

4. City of Fun

5. Beast

6. Creature of Doom

7. It's the Truth

8. Language Problem

9. No Place For the Wicked

10. Immortal Story

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